Исполнительский анализ А.Мусаходжаевой

Одним из самых значительных сочинений А.Аренского является скрипичный концерт ми минор, написанный в 1901 году (по другим данным в 1902 году) и посвященный выдающемуся скрипачу, профессору Петербургской консерватории, основателю Петербургской скрипичной школы Л.С.Ауэру, который и исполнил его впервые в Петербурге. Московскую премьеру концерта осуществил К.К. Григорович.

Музыка концерта с ее тонким лиризмом, с изумительным по красоте вальсом в среднем разделе сочинения сразу завоевала любовь исполнителей и слушателей, но в последующие годы концерт стал исполняться все реже и реже и постепенно исчез из репертуара скрипачей. Второе нотное издание концерта последовало почти через полвека.

Для этого сочинения не характерны драматически напряжённые кульминации, в нём нет какого-то особого эмоционального порыва, а техника пластической обработки довлеет над тематическим развитием, однако проникновенность лирики нигде не носит следов сентиментальности, внешней чувствительности.

Концерт сложен интонационно (обилие альтерированных ступеней лада). Штриховые и артикуляционные приемы в ряде эпизодов становятся определяющим техническим фактором. Абсолютно необходима разнообразная звуковая палитра с широким динамическим диапазоном, включающая все богатство регистровых и тембровых окрасок. Приятное, но одноплановое звучание в значительной степени обедняет исполнение. Все это требует от исполнителя совершенного владения техническим мастерством, особенно пластикой аппарата, без чего не возможно полноценно передать фактуру этого сочинения.

Для этого сочинения характерны достаточно протяжные “округлые” фразы, цельно складывающиеся в более крупные эпизоды. Не типичны резкие контрасты и смены состояний. От исполнителя требуется высокая культура фразировки.

Написан концерт в свободной форме; классический трехчастный цикл сведен к одночастному. Музыка звучит без перерыва, но в ней ясно слышны крайние части – первая (сонатное аллегро без разработки) и финал; средний раздел написан в форме вальса, развивающегося вариационным методом.

Несмотря на многообразие образов, композицию концерта пронизывает единая, сквозная линия развития. Так тематический материал вступления неоднократно появляется между разделами формы. Формообразующее значение имеет также доминантовая гармония, возникающая в ключевых моментах – при переходе из одного раздела в другой. Следует отметить красочность гармонического языка, неожиданность модуляций-сопоставлений, вносящих романтический колорит в палитру концерта.

Начинается концерт (Allegro – I часть) стремительным, энергичным оркестровым вступлением, построенным тематически на материале главной темы – лирической, напевной, проникнутой единым, чувственным порывом. Значительную роль в драматизации главного образа играют акцентированные аккорды в плотной фактуре. Это напряженно – драматическое вступление приводит к выразительному соло скрипки, которое как бы завершает сказанное оркестром. После продолжительного звучания трели у скрипки и одного проведения главной темы в оркестре; после “ ritenuto” и длинной ферматы, наконец, полностью излагается первая тема – основная тема концерта. По характеру своему это задумчиво – созерцательная тема, в то же время полна какой – то внутренней взволнованности. Она очень эмоциональна и поэтична. По форме представляет собой период, состоящий из двух предложений, в конце каждого из них звучит нисходящий виртуозный пассаж.

А.Мусаходжаева исполняет пассажи с большим виртуозным блеском, обращая внимание на переходы в левой руке; спокойными движениями смычка, гладко, ровно, стараясь, чтобы каждая нота была оформлена в звучании. В нисходящей секвенции, излагаемой триолями, используются интонации альтерированной гаммы. Исполняется на mf , широким смычком. Этот эпизод сложен моментом объединения мелодических отрезков, построением фразы. Требуется тщательная подготовка левой руки, удержание пальцев на струне, растяжки. Соединение струн достигается преимущественно предплечьем. Следует избегать жесткости смен смычка и мелодических акцентов. Объединять в легато, выстраивать фразу по мелодическим нотам, которые дублируются в оркестре и выделены акцентами в партии солиста.

Необходимо найти соответствующее художественному образу вибрато, обращая внимание на его непрерывность, еще раз напомним о распределении смычка и его спокойных сменах. Таким образом, достигается цельность звучания, необходимая здесь фраза большой протяженности. Кульминация в конце второго предложения: тема заполняется нисходящим мелодическим оборотом в квартольном и триольном ритмическом изложении. В этом эпизоде особенно ярко проявляется связь и влияние Бородина, на стиль Аренского.

Оркестр вновь напоминает о главной теме, солист, вступая с ним в диалог, тем самым, как бы отвечает на заданный вопрос – это заключительная партия, обобщающая тематический материал на уровне экспозиции. Здесь проявляется типичный для Аренского прием: рассматривать основную мысль с разнообразнейших пунктов, но так, чтобы, несмотря на все преобразования, стержень темы, ее музыкальная сущность, оставалась бы неизменной. В этом они близки с Глазуновым.

Изложение скрипичной мелодии приводит к интонационным взлетам, используется фактура «ломаных» октав и децим и заканчивается аккордами.

Аккорды исполняются мягким звуком, подробно, не изменяя ритмический рисунок. В редакции М. Курдюмова все аккорды предлагается играть вниз, что может отяжелить их звучание и привести к нежелательному поскрипыванию. В интерпретации А.Мусаходжаевой эти аккорды звучат чуть «расставлено», что облегчает исполнение и улучшает качество звучания.

Так как оркестр в среднем эпизоде берет на себя главную функцию, концертирование солиста всецело подчинено задачам тематической разработки. Заметим, что исполнять этот эпизод в сопровождении оркестра, гораздо удобнее для исполнителя, нежели в сопровождении фортепиано, так как оркестр полностью подчиняется дирижеру, в смысле метро - ритма. Пианист же может позволить себе в этом эпизоде исполнить соло, подчиняясь мелодической линии темы, тем самым, затрудняя ровное ритмичное движение тридцатьвторых у скрипача.

Для эпизода характерны широкие смены струн, позиций, быстрая смена динамики (от p до f) – все это требует внимательного контроля за двигательными ощущениями. При работе над этим эпизодом, мы предлагаем уделить особое внимание, опять же, распределению смычка, его положению на струне.

Мелодический материал каденции построен на интонациях главной темы и эпизодов связующего раздела. Каденция – "симфонизируется". Обычно этот раздел в концертах представляет собой свободное импровизационное соло концертирующего инструмента. В виртуозном концерте – это показ технического мастерства исполнителя, а потому технический блеск является ее неотъемлемым качеством. Здесь же, каденция теряет виртуозность, превращаясь в род монолога, декламации, речитатива. Мы можем предположить, что каденция в концерте написана самим композитором. В таком случае нужно быть крайне щепетильным к тексту, добиваясь при этом большой выразительности за счет гибкости и разнообразия нюансировки, штриховой изобретательности и широко используемого rubato.

Основная задача заключается в ясном выявлении двух взаимосвязанных мелодических линий, обладающих порой различными элементами выразительности. Так, например, настойчивому, решительному верхнему голосу противостоит более лиричная, но такая же энергичная мелодия, с нисходящими интонациями.

Преодолевая технические трудности эпизода в двойных нотах, А.Мусаходжаева обращает внимание на характер музыки, ее фразировку и динамику. Здесь ясно представляется двухголосие и каждый голос имеет свое мелодическое развитие. Линия верхнего голоса помогает правильно наметить логичную фразировку и динамику. В момент присоединения нижнего голоса не должны нарушаться ровность и протяженность звучания верхнего голоса. Соединение струн осуществляется гибким, плавным движением кисти правой руки. Следует избегать ускорения темпа при движении к кульминации. Поспешность снижает отчетливость и яркость звучания голосов и лишает окончание каденции подлинного, эмоционального подъема.

Заканчивается весь концерт, стремительным “sautille” у скрипки и короткими аккордами в оркестре.

Ответственно нужно относиться к установлению основного темпа частей. “Выбор темпа, - говорил Л.М. Цейтлин, - определит, музыкант ли вы или только виртуоз”.

Особенно придирчиво нужно выбирать темп для финала. Яркость и виртуозность финала отнюдь не в скорых темпах. Наоборот, сдержанность темпа, отчетливость звучания всех штрихов и виртуозных пассажей при идеальном ритме создадут эффект быстроты и виртуозности, но виртуозности музыкальной, содержательной.

Сочинение Аренского, как мы видим, редкостного мелодического обаяния, оно, как – бы, концентрирует лучшие стороны художественного дарования композитора, но и недостатки очевидны. По нашему мнению, главный из них – отсутствие смелых и своеобразных, художественных идей.

Вообще, концерт Аренского можно отнести к концерту симфонизированному, так как, здесь, в отличие от виртуозного концерта, роль оркестра значительно возрастает. Солист и оркестр, как – бы, совместно развивают тематический материал. Продолжая оставаться главным выразителем музыкальных мыслей, солист разделяет свои функции с оркестром и в ряде мест лишь дополняет проходящие в оркестре темы. При этом функция солирующего инструмента не снижается, так как партии солиста и оркестра можно считать в этих эпизодах равноправными, а тип изложения мелодических линий "диалогическим", поскольку сопоставление оркестрового и сольного изложения оформляется в виде диалога. Хочется добавить, что в этом произведении Аренскому, конечно меньше, чем Чайковскому и Мендельсону, удалось добиться органического единства концертного и симфонического начал.

Скрипичный концерт имеет немало общих черт с концертами, созданными в эти же годы его современниками Ю. Конюсом (1896) и А. Глазуновым (1905), а так же с концертом А. Рубинштейна. Например, концерт Конюса близок по форме – он также одночастен, с эпизодом и каденцией. По своей натуре, по складу поэтического мышления Аренский всегда был близок к сфере чувствований и звукообразов – в этом они похожи с Глазуновым, но конечно уступая Глазунову по содержанию.

Произведение Аренского не часто звучит сегодня в больших и малых концертных залах. Что же касается его использования в учебно-педагогическом репертуаре, то оно, безусловно, оправдано. Доступный по содержанию и фактуре, отлично подготавливающий к интерпретации более сложных скрипичных произведений других композиторов, концерт Аренского может с успехом изучаться в музыкальных учебных заведениях. (Произведение включено в учебную программу). Существует современная запись концерта, в исполнении С. Стадлера. Его интерпретацию, как и исполнение концерта С. Фурером, можно принимать как пример воплощения замысла композитора.